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Statue d'un garçon avec une épine



Vasari, dans sa biographie de Michel-Ange, a suggéré qu'il représentait le point culminant de l'accomplissement artistique depuis le début de la Renaissance. L'opinion de Vasari a été confirmée, dans les siècles qui ont suivi sa mort, par le fait que Michel-Ange a été largement considéré comme l'un des artistes les plus qualifiés et les plus influents de l'histoire de l'art occidental.

Aujourd'hui, Crouching Boy se trouve au musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la seule œuvre de Michel-Ange dans la collection du musée. C'est une petite pièce inachevée, sculptée dans le marbre, mesurant seulement 22 pouces. (54 cm.) et montre un garçon, nu et accroupi, peut-être pour soigner son pied blessé. Le corps du garçon est bien développé, avec une musculature proéminente, et sa silhouette accroupie suggère fortement la force intérieure comprimée en lui.

La tête du garçon est tournée vers le bas alors qu'il se concentre sur son pied, inconscient de tout ce qui se passe autour de lui, et contribue au sentiment de chagrin et de douleur que la pièce évoque.

Pourtant, l'œuvre reste énigmatique. Certains érudits ont vu la pièce comme une représentation de l'âme à naître, d'autres comme un soldat blessé. D'autres encore interprètent le « Garçon accroupi » comme la personnification du Génie ou de la souffrance du deuil.

Le garçon accroupi a été amené en Russie par Catherine la Grande (1729 - 1796) lorsqu'elle a acheté une grande collection d'antiquités et d'autres pièces de l'antiquaire et banquier anglais, John Lyde Browne (mort en 1787).

Lyde-Browne était une collectionneuse passionnée d'antiquités et avait accumulé l'une des plus grandes collections de l'époque, ayant visité l'Italie à plusieurs reprises depuis les années 1750. Sa collection était dans un état constant de flux car il faisait un commerce intensif de ces objets, avec d'autres collectionneurs, tout en les collectionnant. Sa maison à Londres servait autant de salle d'exposition que de musée privé.

Catherine la Grande a accepté de payer environ 23 000 £ pour environ 250 pièces de Lyde-Browne en 1785, mais il n'a reçu le paiement initial de 10 000 £ qu'à la suite de la faillite de son agent à Saint-Pétersbourg.

En plus de sa collection de marbres antiques, Lyde-Browne avait réuni une collection d'œuvres de la Renaissance. Parmi ceux-ci se trouvait un objet décrit dans l'un des catalogues de ses collections comme « une statue inachevée d'un garçon retirant une épine de son pied, une œuvre célèbre de Michel-Ange. Le garçon est nu et a superbement rendu l'anatomie. On dit que la statue se trouvait autrefois dans la Villa Médicis ».

En 1520, Giulio de' Medici chargea Michel-Ange de concevoir un caveau familial, ce qui allait devenir la Sagrestia Nuova, dans l'église paroissiale des Médicis de San Lorenzo. Les dessins de Michel-Ange, maintenant conservés au British Museum, suggèrent que "Crouching Boy" était destiné à faire partie de sa conception pour cette chapelle des Médicis.

Dans son esquisse préparatoire d'une tombe à double paroi pour Lorenzo de' Medici et son frère Giuliano de' Medici, Michel-Ange a inclus deux de ces figures accroupies. Il aurait été approprié qu'une œuvre comme le « Garçon accroupi », avec son sentiment de tristesse voûtée, ait sa place dans un tel schéma, mais les deux garçons accroupis n'ont pas été inclus dans sa conception finale du projet.

C'était un projet auquel Michel-Ange aurait eu un intérêt personnel. C'est Lorenzo de Médicis qui a convoqué Michel-Ange pour faire partie de sa maison alors qu'il était encore adolescent. Dans le cadre de la maison des Médicis, il a étudié auprès du célèbre sculpteur Bertoldo di Giovanni et a pu étudier les œuvres des maîtres de la Renaissance tels que Giotto, Masaccio et Donatello ainsi que celles des sculpteurs grecs et romains dont il disposait dans les Médicis. collection.

C'est aussi là que Michel-Ange a rencontré ses futurs patrons pontificaux, Giovanni de' Medici (Pape Léon X) et son cousin Giulio (Clément VII).

C'était le premier projet de Michel-Ange dans lequel il a conçu à la fois l'architecture de la chapelle, les sculptures et les sarcophages à installer dans la chapelle, y compris des figures représentant les quatre moments de la journée.

Alors que le bâtiment lui-même a été achevé en 1524, le projet a subi un certain nombre d'interruptions, telles que la période d'exil des Médicis en 1527, la mort de Giulio de' Medici (Clément VII) et la relocalisation permanente de Michelango à Rome en 1534.

À cette époque, la plupart des statues avaient été sculptées mais elles n'ont été installées qu'en 1545 en l'absence de Michel-Ange. Le travail a finalement été achevé, encore une fois sans la présence de Michel-Ange, en 1555.


Manneken-Pis : La vraie histoire derrière la statue emblématique

Manneken-Pis, littéralement « petit homme pipi », dans le dialecte néerlandais de Marols ou « le petit Julien », en français, est l'un des citoyens bruxellois les plus célèbres et les plus aimés. Mais quelle est l'histoire derrière cette figure emblématique, si minuscule? De nos jours, la statue est devenue une sorte de cliché recréé sur les t-shirts et les étiquettes de bière du monde entier. À ses origines, cependant, le célèbre Manneken-Pis est pratique, avec un peu de fantaisie pour faire bonne mesure.

La statue du « garçon qui pisse », comme on l'appelle communément, a mené une vie longue et pas toujours facile, survivant au bombardement de Bruxelles en 1695 et à diverses usures au cours des siècles. Selon les archives locales, la fontaine, située à l'intersection de la rue de l'Étuve/Stoofstraat et de la rue du Chêne/Eikstraat, a été utilisée dès le XVe siècle pour aider à distribuer de l'eau potable à travers la ville.

Pour les touristes, la statue est en tête de liste des endroits à visiter, mais pour de nombreux habitants, la signification est beaucoup plus profonde. Pour certains, la fontaine est devenue le symbole d'un certain esprit bruxellois à la fois inébranlable, ludique et très individuel. Bien que la statue ne soit plus utilisée pour la distribution d'eau, elle en est venue à nourrir la ville d'une nouvelle manière, en offrant un divertissement et un sens du jeu. Il rappelle également aux habitants la riche histoire de la ville et son identité en perpétuelle évolution.

Encore aujourd'hui, et depuis le XVIIIe siècle, la petite statue est habillée pour marquer les occasions spéciales et les fêtes. Vous ne savez jamais ce que vous pourriez trouver « petit pipi » déguisé en la prochaine fois que vous passerez devant.

Quant au petit garçon qui a servi d'inspiration à la statue ? C'est là que la légende a tendance à éclipser les faits. Un conte soutient que la statue est une image d'un garçon qui a sauvé Bruxelles d'un incendie et d'un désastre en faisant pipi sur la mèche d'un explosif. . Quoi qu'il en soit, la statue est susceptible de rester ici un fourrage instantané pour les nombreux visiteurs qui visitent la ville chaque année, et un bon rappel d'humour et d'histoire pour les habitants chanceux de la ville.


Est-ce le Manneken Pis original ?

Le nom Manneken Pis a été mentionné pour la première fois dans des archives datant de 1452. Avant cela, il s'appelait Petit Julien et faisait partie d'une fontaine publique au même coin de rue. La statue de pierre a été remplacée par une sculpture en bronze réalisée par Jérôme Duquesnoy l'Ancien en 1619. On ne sait pas si la réplique ressemble à la première, car l'original n'a pas été conservé.

La statue de Hiëronymus Duquesnoy a été détruite en 1817 et a été volée par un ancien forçat nommé Antoine Licas. Heureusement, les pièces ont été retrouvées et collées ensemble pour faire un moule pour une réplique.

La statue actuelle a été réalisée en 1965, après la disparition de Manneken Pis. Après plusieurs mois, la statue brisée a été retrouvée dans le canal de Bruxelles et réside actuellement dans la Maison du Roi sur la Grand Place.


Spinario, le garçon au secret

Qui est le garçon que les gens appellent « Spinario », assis les jambes croisées alors qu'il inspecte la plante de son pied gauche ?

C'est peut-être le jeune Podalirius, fils du dieu de la médecine Asclépios.

Ou est-il Ascanius (Iulo, en latin), fils d'Énée et de Créuse, l'ancêtre du clan Julien dont descendent Jules César et l'empereur Auguste ?

Il pourrait même s'agir du légendaire berger Gnaeus Martius – surnommé « les fidèles » – qui, seulement après avoir délivré héroïquement un message important au Sénat romain, s'est arrêté pour retirer une écharde sur laquelle il avait marché pendant son voyage.

Quel qu'il soit, de nombreux artistes, en particulier à la Renaissance, ont utilisé cette statue de bronze - un cadeau à Rome du pape Sixte IV en 1471, aujourd'hui exposé dans les musées du Capitole - comme leur « modèle », conduisant à une longue liste de copies qui sont maintenant exposés dans les musées du monde entier.

Le « Garçon à l'épine » est très probablement l'œuvre d'un artiste grec du 1er siècle avant J.


La réalisation du "Garçon à la grenouille" de Charles Ray

En regardant une sculpture géante, je me demande souvent : comment les artistes construisent-ils des créations aussi massives ? Voici un aperçu du parcours, de la conception de l'artiste au seuil du Getty Center, du plus grand que nature Garçon avec grenouille, qui a été installé hier dans les escaliers du musée. A voir jusqu'en janvier 2012, Garçon avec grenouille poursuit une série d'installations temporaires axées sur l'art contemporain et sa relation avec la mission du Musée.

Avant que ce jeune puissant et curieux puisse planter ses pieds en fibre de verre sur le travertin, Ray et des fabricants d'art experts ont passé des années à construire et à assembler la figurine pour obtenir chaque détail, des ongles du garçon aux verrues de la grenouille taureau.

Garçon avec grenouille dans des emballages blancs lors de l'installation hier dans les escaliers du musée au Getty Center

Un jour, il y a quelques années, l'artiste est venu voir son ami Mark Rossi, le fondateur de Handmade, une usine de fabricants d'art, et lui a dit qu'il voulait créer une sculpture d'un garçon tenant une grenouille.

Une fois que l'artiste a obtenu les photographies qu'il voulait d'un garçon tenant un amphibien vivant, les images ont été numérisées et un modèle numérique en 3D a été créé. Ray est alors devenu un peu comme un sculpteur de la Renaissance brandissant un outil de sculpture, sauf qu'au lieu d'un ciseau, son équipe a utilisé un logiciel de modélisation pour affiner les conceptions de la sculpture. Le logiciel utilise une interface haptique qui fournit un retour via le toucher et est si précis qu'il est également utilisé dans la reconstruction dentaire et la chirurgie virtuelle.

L'étape suivante? Ce modèle numérique a été utilisé pour créer des versions à l'échelle de la sculpture en mousse d'uréthane. D'autres itérations de Garçon avec grenouille ont été fabriqués dans différentes tailles et matériaux au fil des ans pour aider Ray à décider de l'échelle et d'une myriade d'autres détails artistiques. Lorsque l'artiste était prêt à créer la sculpture finale, Ray a de nouveau travaillé avec Rossi et son équipe de fabricants qualifiés. Ils ont fabriqué des moules du motif final pour créer les deux composants principaux de la sculpture : la fibre de verre et l'acier.

Gerard Collier, fabricant chez Handmade, assemble le bras sur l'un des patrons pour Garçon avec grenouille

Une façon de comprendre le Garçon avec grenouilleLa construction de est vue de l'extérieur : sous une couche de peinture blanche se trouve une couche de fibre de verre d'un quart de pouce d'épaisseur, qui recouvre une armature en acier inoxydable. Cette armature s'étend sur toute l'étendue de la sculpture, de la grenouille au bas de chacun des pieds du garçon.

L'artiste Charles Ray vérifie l'angle de Garçon avec grenouille lors de son installation au Getty Center

Garçon avec grenouille tel qu'installé sur les escaliers du Musée

La version particulière en fibre de verre de Garçon avec grenouille installé au Getty Center a été achevé en 2008 et, jusqu'à récemment, était une installation en plein air populaire au musée Punta della Dogana de François Pinault à Venise, en Italie. Une version finale de la sculpture à l'échelle identique à celle ici - sauf coulée en acier inoxydable - a pris la place de son prédécesseur à Venise.

Outre l'endroit où ils vivent et de quoi ils sont faits, quelle autre différence majeure y a-t-il entre les deux ? Soupeser. La sculpture en acier pèse 475 livres, soit 300 livres de plus que sa jumelle.

Rossi a déclaré qu'il était honoré d'avoir travaillé sur une sculpture exposée au Getty : « Être associé d'une manière ou d'une autre à cela est merveilleux. »


Peint en 1810, Barker a montré cette œuvre à la British Institution l'année suivante. Le garçon est représenté assis sur une bûche pour arracher une épine de son pied.

Le thème d'un garçon extrayant une épine de son pied est un thème ancien dans l'art qui aurait été reconnu par un public du XIXe siècle comme faisant référence à des exemples de la Renaissance et de l'antiquité. Les couleurs pastel se combinent pour créer un ton doux qui transmet le sentiment du sujet. De telles peintures d'enfants étaient populaires du début au milieu du XIXe siècle.

Donné par Charles T. Maud, 1871

Re : Charles T. Maud : Extrait de Somersetshire paroisses un manuel de référence historique à tous les endroits dans le comté. 'Bathampton Charles Theobald Maud du Manoir, agriculteur, éleveur de chevaux et collectionneur d'images. Herse gauche 1808-9. Bal. Le colonel Oxf. BA 1818.' Maud était également la cousine de W J Broderip, l'éminent naturaliste, qui possédait « The Hireling Shepherd » (Galeries d'art de la ville de Manchester) de William Holman Hunt. Maud a commandé à l'origine une réplique du mouton en arrière-plan de ce travail, mais Hunt l'a persuadé de commander une nouvelle pièce, « Our English Coasts (Strayed Sheep) » (Tate Britain).

Importance historique : Vraisemblablement, vendu anglais et fils, collection J H S Piggott, 11 octobre 1849, (126, comme 'Boy with a Thorn in his Foot', taille donnée comme 45 x 52 ins), bt. Capitaine Ford, 95 £.

La pose du garçon est adaptée de la célèbre statue en bronze classique à grande échelle appelée le "Spinario", d'un garçon retirant une épine de la plante de son pied. Ce bronze est aujourd'hui au Musée du Capitole à Rome. Il a eu une grande influence sur les artistes italiens de la Renaissance et a également été largement copié dans divers médias. Par exemple, une figure en faïence du Staffordshire du milieu du XVIIIe siècle dans les collections du V&A. Barker avait voyagé en Italie, arrivant à Rome en 1790, et retournant en Angleterre à la fin de 1793. Son voyage pour étudier les œuvres d'art de l'Italie a été financé par l'homme d'affaires de Bath Charles Spackman (1749-1822), qui souhaitait faire avancer le carrière du jeune artiste (l'« Autoportrait avec son précepteur Charles Spackman » de Barker se trouve à la Victoria Art Gallery, Bath).

Cependant, la principale source d'inspiration pour cette peinture de Barker, en termes de traitement et de sentiment du sujet, sont les peintures de genre de l'artiste espagnol Bartolome Esteban Murillo (1618-1682), telles que les "Trois garçons paysans" de la fin des années 1660. (maintenant à la Dulwich Picture Gallery, Londres). Barker était sans aucun doute conscient de l'influence de Murillo sur les premiers artistes britanniques tels que Thomas Gainsborough et Sir Joshua Reynolds, dans leurs peintures d'enfants rustiques ou indigents. Barker était particulièrement au courant des peintures de Gainsborough, qui avait également travaillé à Bath, et son autoportrait mentionné ci-dessus le montre peignant un paysage dans le style de Gainsborough.

Ce travail était vraisemblablement celui exposé à la British Institution en 1811, (cat. n° 17, "Boy picking a thorn out of his foot"), la taille indiquée dans le catalogue comme 73 par 66 pouces, y compris le cadre (le les mesures du cadre actuel sont 69 1/2 par 61 3/4 pouces). C'était peut-être aussi celui exposé à la British Institution en 1822, sous le titre « Un garçon extrayant une épine de son pied », taille 74 par 66 pouces. La « Institution britannique pour la promotion des beaux-arts sous le patronage de Sa Majesté » a été fondée en 1805 et était un club privé du XIXe siècle à Londres formé pour exposer les œuvres d'artistes vivants et morts. Contrairement à la Royal Academy, ses membres étaient composés de connaisseurs plutôt que d'artistes pratiquants. Un certain nombre de peintures de Barker of Bath ont été exposées au B.I. Pendant sa durée de vie.

Peint en 1810, Barker a montré cette œuvre à la British Institution l'année suivante. Le garçon est représenté assis sur une bûche pour arracher une épine de son pied.

Le thème d'un garçon extrayant une épine de son pied est un thème ancien dans l'art qui aurait été reconnu par un public du XIXe siècle comme faisant référence à des exemples de la Renaissance et de l'antiquité. Les couleurs pastel se combinent pour créer un ton doux qui transmet le sentiment du sujet. De telles peintures d'enfants étaient populaires du début au milieu du XIXe siècle.

  • Les aboyeurs de Bath. chat.exh. Bath : Museums Service, Bath City Council Gloucester : produit par Alan Sutton Publishing, 1986, p. 35, cat. non. 31
  • Hunt, Tristram et Victoria Whitfield, Art Treasures in Manchester: 150 Years On, Manchester: Philip Wilson Publishers, 2007

Garçon et la botte

  • Garçon et la botte : Fresno, Californie
  • Garçon et la botte : Penrose, Colorado
  • Garçon et la botte : Salida, Colorado
  • Garçon et la botte : Council Bluffs, Iowa
  • Garçon et la botte : West Union, Iowa
  • Garçon et la botte : Wichita, Kansas
  • Boy and the Boot (hôpital) : La Nouvelle-Orléans, Louisiane
  • Boy and the Boot (hippodrome) : La Nouvelle-Orléans, Louisiane
  • Garçon et la botte : Houlton, Maine
  • Garçon et la botte : Menominee, Michigan
  • Garçon et la botte : Helena, Montana
  • Boy and the Boot (intérieur) : Ellenville, New York
  • Boy and the Boot (extérieur) : Ellenville, New York
  • Boy and the Boot (intérieur) : Sandusky, Ohio
  • Garçon et la botte (extérieur) : Sandusky, Ohio
  • Garçon et la botte : Wadsworth, Ohio
  • Garçon et la botte : Wellsville, Ohio
  • Garçon et la botte : Baker City, Oregon
  • Garçon et la botte : Hershey, Pennsylvanie
  • Garçon et la botte : El Paso, Texas
  • Garçon et la botte : Orkney Springs, Virginie
  • Garçon et la botte : Wallingford, Vermont
  • Garçon et la botte : Stevens Point, Wisconsin
  • Garçon et la botte : Winnipeg, Manitoba
  • Garçon et la botte : Lindsay, Ontario

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Moschophoros (porteur de veau)

Moschophoros (porteur de veau) est une sculpture en marbre de la Grèce antique créée en 560 avant notre ère. Il vit au Musée de l'Acropole en Grèce. L'image est utilisée conformément à l'utilisation équitable pour l'éducation et étiquetée Vaches et sculpture.

La Grèce antique aimait les hommes parfaits. A l'époque archaïque, tout un genre de sculpture était consacré à une représentation très spécifique du corps nu masculin. Kouros, signifiant « jeunes ou garçons de rang noble » étaient des sculptures autoportantes formelles, fortement stylisées, presque plus proches des représentations égyptiennes antiques de pharaons que des postures hellénistiques expressives qui ont défini la sculpture grecque au cours des siècles suivants.

Ce Kouros particulier, excavé des décombres de l'Acropole d'Athènes, s'écarte du style commun. Il est barbu, représentant la maturité, et porte une cape légère, la marque d'un citoyen respectable - et le plus inhabituel pour son époque, cet homme est souriant. Ces détails, ainsi qu'une inscription de dédicace à la déesse Athéna, suggèrent que ce kouros a été fait à l'image d'un riche local nommé [Rh]ombos. Aussi inhabituel pour l'époque, la base de cette statue a été signée par le sculpteur Phaidimos, qui serait le premier sculpteur attique à signer son œuvre.

Mais qu'est-ce que c'est que la vache ? De nombreux cultes religieux de la Grèce antique sacrifiaient des animaux aux dieux. Kriophoros, ou « porteurs de bélier », commémorent ces sacrifices avec des personnages masculins portant l'animal condamné sur leurs épaules, comme c'était la coutume chez les bergers. Les moutons étaient le plus souvent les animaux sacrificiels, mais ce jeune taureau était presque certainement une offrande pour gagner les bénédictions d'Athéna.


Jocko le porte-lanterne : la véritable histoire derrière la statue si exaspérante pour les Noirs

Avez-vous déjà été offensé par des jockeys tenant des lanternes trouvés sur les pelouses de la banlieue, pensant qu'ils sont racistes ? La plupart ont associé la statue, connue sous le nom de Jocko, à la caricature de la maman et se sentent insultés lorsqu'ils en rencontrent une.

"Nous avions l'habitude de les renverser et d'essayer de leur faire tomber la tête, de les écraser", a déclaré Michael McBride de Too Black, Too Fast, qui a pris la cause d'attirer l'attention sur l'histoire des jockeys noirs à travers ses œuvres d'art.

Il a poursuivi en racontant l'histoire de ce que signifie réellement la statue :

« Nous allons vous aider à dissiper le mythe de la statue du jockey. Cela s'appelait l'histoire de Jocko. Jocko était le garçon d'écurie de George Washington. Lorsque George Washington a traversé la rivière Delaware, alors qu'il faisait très froid, lui et ses soldats, il a demandé à Jocko de se tenir là avec une lanterne et de tenir les chevaux jusqu'à leur retour.

Ils ont fini par rester plus longtemps qu'ils ne le pensaient. Ils revinrent et Jocko était toujours là, figé, tenant toujours les chevaux et tenant toujours la lanterne. George Wahsington était tellement ému qu'il a demandé à l'artiste de faire une sculpture en béton de Jocko et ses amis ont tous fait faire ces choses aussi.

Ensuite, si vous avancez rapidement pendant le chemin de fer souterrain, lorsque vous êtes allé dans une maison qui avait ce jockey là-bas et que la lanterne était allumée, c'était les refuges pour le chemin de fer souterrain. Le manque de connaissances nous a fait penser que c'était une chose dégradante, mais ce n'est pas le cas.

Peut-être que vous le saviez déjà ou peut-être que vous ne le saviez pas ou peut-être que vous ne le croyez pas, mais c'était assez convaincant pour moi d'écouter des histoires sur l'histoire des jockeys noirs, à l'époque du Derby, de quelqu'un de si passionné. ce. Et il y a plus. Revenez pour un aperçu approfondi du rôle joué par les Noirs dans l'équitation et à quel point ce sport peut être lucratif, directement d'un ancien jockey noir. –gerald radford


Où la spiritualité rencontre le commerce

Pour ceux qui n'ont pas grandi avec le bouddhisme Theravada de style thaïlandais - une croyance qui entremêle des éléments de l'hindouisme, des religions chinoises et du culte des esprits - l'atmosphère même d'un simple temple thaïlandais peut sembler presque semblable à une fête. Au Wat Chedi, ce sentiment est surmultiplié.

Dans un coin du complexe du temple, les visiteurs frottent de la poudre pour bébé sur une grosse bûche de bois dur dans l'espoir que les numéros de loterie gagnants apparaissent. A côté, un groupe, engagé par quelqu'un en guise de remerciement, fait exploser la musique country thaïlandaise. Toutes les deux heures, des boîtes de pétards sont chargées dans le lit d'un camion, adossées à une montagne virtuelle de cendres et de papier carbonisé, et jetées et allumées sans cérémonie, entraînant une éjection de fumée et de bruit semblable à celle d'un volcan.

Un membre du personnel gère le trafic à l'entrée de Wat Chedi.

Une grande partie du brouhaha à Wat Chedi a une sensation distinctement commerciale. L'enceinte du temple comprend une bande de vendeurs vendant des billets de loterie, une poignée de guichets automatiques et une vaste aire de restauration. À l'entrée de Wat Chedi, il y a un stand où les visiteurs font la queue pour "louer" des amulettes officielles d'Egg Boy (bien qu'ils fassent effectivement un achat, les Thaïlandais utilisent ce terme pour contourner la connotation problématique de posséder un objet sacré).

"Les gens qui viennent ici ont toutes sortes de désirs différents", a déclaré Supachai. « Une fois, j'ai interrogé 100 visiteurs de ceux-ci, 60 voulaient des numéros de loterie, 20 voulaient de l'aide pour le travail et les 20 autres voulaient un mélange d'autres choses.

Je me suis promené dans les jardins du temple pour apprendre de première main ce que les gens demandaient à Egg Boy.

"Nous sommes venus ici auparavant, il y a trois ou quatre ans, et avons obtenu les numéros gagnants de la loterie", a déclaré une femme appelée Nun, qui avait conduit d'une ville à trois heures de route avec son mari et son enfant. "Cette fois, nous sommes ici pour demander une voiture."

"Mes parents sont venus ici avant et ont gagné de l'argent à la loterie", a déclaré une femme qui passait par Diw. "Je ne crois pas vraiment à ce genre de choses, mais j'ai pensé que j'allais essayer."

Boom, qui était venu de Bangkok pour la journée, en était à sa deuxième visite à Wat Chedi. Lui et ses amis m'ont montré leurs amulettes et bracelets.

Le tourisme de Wat Chedi a également profité à d'autres régions de Sichon, le quartier où se trouve le temple. Ci-dessus, les visiteurs d'Egg Boy profitent d'un endroit balnéaire populaire.

« Je fais partie de la génération Y », a-t-il déclaré. « Nous nous intéressons aux amulettes, mais pour nous, il ne s'agit pas seulement de croire qu'il y a des éléments de mode et de statut. C'est aussi un investissement. »

Plus tard, je suis allé voir Egg Boy moi-même. J'ai escaladé un escalier de marbre jusqu'à un hall qui, comparé à tout ce qui se passait juste à l'extérieur, était carrément calme et vide. Une petite douzaine de personnes se sont agenouillées devant la statue censée abriter l'esprit d'Egg Boy. Taché de fumée, avec des taches intermittentes de feuilles d'or et une posture tordue, le garçon grandeur nature était vêtu d'une version des années 80 ressemblant à une sitcom à la mode enfantine : un t-shirt blanc avec le nom du temple, un jean bleu à revers, un casquette de baseball Ferrari rouge et lunettes de soleil.

Après le cimetière de poulets, la montagne de pétards, les fanfares et l'aire de restauration, les foules massives et les annonces incessantes, il semblait que ce lien spirituel minuscule et obscurci avait été presque entièrement oublié dans la précipitation.


Voir la vidéo: Soviet statue - a working girl with a spade in Mozhga, Russia (Novembre 2021).